Le projet gagnant du Prix du design Lexus 2018 est annoncé lors de l’exceptionnelle exposition « Limitless Co-Existence » à Milan

MILAN, le 17 avril 2018 – Lexus International a annoncé aujourd’hui le projet gagnant du Prix du design Lexus 2018, Testing Hypotheticals, d’Extrapolation Factory, concluant en apothéose cette sixième édition des prix. Les Prix du design Lexus 2018 ont donné lieu à une participation sans précédent avec 1 319 candidatures provenant de 68 pays sous le thème « CO- ». Le lauréat a été choisi par un jury composé d’éminentes personnalités du monde du design : Sir David Adjaye, Shigeru Ban, Paola Antonelli, Birgit Lohmann, Alice Rawsthorn et Yoshihiro Sawa.

C’est parce qu’elle croit passionnément au pouvoir du design pour changer le monde que Lexus cultive et met à l’honneur les futurs créateurs qui se servent du design pour faire évoluer les points de vue, communiquer des idées et stimuler l’imagination en vue de façonner un avenir meilleur.

« Le gagnant de cette année appréhende la vision actuelle sur le rôle du design dans nos sociétés en pleine mutation technologique. L’éducation et l’enseignement ainsi que la réflexion occupent une place centrale, reléguant les objets au second plan. L’interaction qu’entretiennent les citoyens et les créateurs avec les produits, les processus et l’avenir prend de plus en plus d’importance pour modérer cette influence du design dans notre monde tourné vers l’avenir et en pleine mutation technologique. Le design choisi illustre les méthodes et les techniques employées pour impliquer le public et les concepteurs dans des jeux de rôle sur les avenirs possibles et négocier les influences de notre monde technologique », a commenté David Adjaye, architecte et membre du jury des Prix du design Lexus 2018.

Elliott P. Montgomery, du groupe Extrapolation Factory, ne cache pas son enthousiasme : « Nous avons vécu une expérience incroyable avec nos mentors, Formafantasma. Et le soutien de Lexus a été crucial. »

Depuis 2013, les Prix du design Lexus contribuent à l’émergence d’une nouvelle génération de concepteurs du monde entier. Le thème de la sixième édition des Prix du design Lexus est « CO- », un préfixe latin qui signifie « ensemble » ou « tous à l’unisson ». Lexus est convaincue qu’un design exceptionnel favorise une coexistence harmonieuse entre la nature et la société. Dans ce sens, « CO- » est une approche qui permet à la marque d’explorer son vrai potentiel et celui de l’environnement en créant de nouvelles possibilités grâce à la collaboration, la coordination et la connexion.

Parmi les innombrables projets proposés, notre éminent jury a retenu 12 finalistes, dont quatre seront présentés sous la forme de prototypes. Les huit autres seront exposés sur des panneaux. Tous les finalistes seront révélés à la communauté internationale du design dans le cadre de l’exposition « LIMITLESS CO-EXISTENCE » organisée par Lexus du 17 au 22 avril 2018 dans les étables restaurées du Musée national des sciences et des techniques Leonardo da Vinci lors de la Semaine du design de Milan, l’une des plus grandes manifestations internationales consacrées au design.

Lexus a confié à l’architecte japonais Sota Ichikawa la conception de l’espace d’exposition. Dans l’installation principale, Ichikawa a utilisé des méthodes novatrices pour représenter l’expérience absolue de la « coexistence illimitée ». Le concept Lexus LF-1 Limitless, présenté récemment au Salon de l’auto international nord-américain, est lui aussi inspiré de la méthode unique d’Ichikawa.

À PROPOS DU CHOIX DU PUBLIC 2018

En réaction à la forte participation du public lors des précédentes éditions des Prix du design Lexus, Lexus a décidé de créer le « CHOIX DU PUBLIC 2018 » afin de permettre une interaction encore plus poussée avec les visiteurs. Le gagnant sera choisi par un vote organisé sur le site Web entre le 16 et le 21 avril, et annoncé le 22 avril, dernier jour de l’événement.

Soumissions au Prix du design Lexus 2018 choisies pour le développement d’un prototype :

Prix du design Lexus 2018 – panneaux d’exposition :

Juges :

Sir David Adjaye/ architecte
Né en Tanzanie de parents ghanéens, Sir David Adjaye (OBE) est le fondateur et président du cabinet d’architectes Adjaye Associates. Ses vastes influences, son utilisation ingénieuse des matériaux et ses talents de sculpteur ont fait de lui un architecte doté d’une sensibilité et d’une vision artistiques. À ce jour, le Smithsonian Institute National Museum of African American History and Culture, qui se dresse sur le National Mall, à Washington, D.C., est son projet le plus important (540 millions $). L’inauguration du musée à l’automne 2016 a été qualifiée d’« événement culturel de l’année » par le New York Times. En 2017, David Adjaye a été fait chevalier par la reine d’Angleterre Elizabeth II. Il figure également sur la liste des 100 personnalités les plus influentes du monde établie par le magazine Time.

Shigeru Ban / architecte
Né à Tokyo en 1957. Diplômé de Cooper Union. A commencé sa carrière chez Arata Isozaki & Associates en 1982. A fondé Shigeru Ban Architects en 1985. Est devenu consultant auprès du Haut Commissariat des Nations unies pour les réfugiés (HCR) en 1995. A créé l’ONG Voluntary Architects’ Network (VAN) la même année pour venir en aide aux sinistrés de catastrophes. Parmi ses projets, citons le Nicolas G. Hayek Center, le Centre Pompidou-Metz et le Musée d’art de la préfecture d’Oita. Récipiendaire de nombreux prix, dont la Grande Médaille d’or de l’Académie d’architecture (2004), l’Arnold W. Brunner Memorial Prize in Architecture (2005), le Grand Prize of AIJ (2009), un doctorat honoraire de la Technische Universität München (2009), l’Ordre des Arts et des Lettres, France (grade d’officier, 2010), le prix Auguste Perret (2011), le prix d’art du ministre japonais des Affaires culturelles (2012), l’Ordre des Arts et des Lettres, France (grade de commandeur, 2014) et le JIA Grand Prix (2016). Professeur à l’Université Keio de 2001 à 2008, professeur invité à l’Université Harvard (GSD) et l’Université Cornell (2010), et actuellement professeur à l’Université des Arts et du Design de Kyoto (2011-), et professeur invité à l’Université Keio (2015-). Lauréat du prix d’architecture Pritzker 2014.

Paola Antonelli / conservatrice en chef, MoMA
La conservatrice Paola Antonelli a rejoint le Musée d’art moderne (MoMA) de New York en 1994. Elle y occupe le poste de conservatrice en chef du département d’architecture et de design, ainsi que les fonctions de directrice de la recherche et du développement. Elle a pour but de promouvoir la compréhension du design, jusqu’à ce que son influence positive sur le monde soit entièrement reconnue et exploitée. Son travail examine l’impact du design sur l’expérience quotidienne, les objets et les pratiques souvent négligés, et associe le design, l’architecture, l’art, la science et la technologie. Elle a été conservatrice de nombreuses expositions, a écrit plusieurs livres et donné des conférences dans le monde entier. Elle a enseigné à l’University of California, Los Angeles, à la Harvard Graduate School of Design et à la School of Visual Arts in New York (programme de MFA). Elle travaille actuellement sur plusieurs projets à la fois, dont une exposition consacrée aux 111 vêtements qui ont changé le monde; sur Design Bites, un livre sur les spécialités culinaires du monde entier en tant qu’exemples de design; et sur une collection d’essais sur les différents domaines du design contemporain.

Birgit Lohmann / rédactrice en chef de designboom
Née à Hambourg, Birgit Lohmann a étudié le design industriel à Florence avant de s’installer à Milan, où elle vit et travaille depuis 1987. Elle a travaillé comme designer et directrice de développement de produit pour plusieurs architectes et maîtres designers italiens. Elle a également travaillé comme historienne du design pour des ministères de la Justice et des maisons de ventes aux enchères internationales. En tant que chercheuse et conférencière, elle a dirigé des séminaires sur le design industriel dans plusieurs universités internationales prestigieuses. En 1999, elle a cofondé designboom, dont elle est actuellement rédactrice en chef, directrice de la programmation pédagogique et conservatrice pour les expositions internationales.

Alice Rawsthorn / analyste spécialisée dans le design
Alice Rawsthorn est une critique primée de design au New York Times depuis plus d’une décennie. Son dernier ouvrage, Hello World: Where Design Meets Life, explore l’influence du design dans nos vies. Son prochain ouvrage, Design as an Attitude, dont la publication est prévue en mai 2018, brosse un tableau des tendances actuelles du design. Alice s’exprime sur le design à l’occasion d’événements d’envergure mondiale, dont le TED et les réunions annuelles du Forum économique de Davos, en Suisse. Alice vit à Londres, où elle est présidente du conseil d’administration de la Chisenhale Gallery et de la troupe de danse contemporaine Michael Clark Dance Company, et administratrice de la Whitechapel Gallery. Elle a reçu l’Order of British Empire (OBE) pour services rendus au monde du design et des arts.

Yoshihiro Sawa / président de Lexus International
Yoshihiro Sawa est titulaire d’un B. Sc. en Ingénierie et en Design du Kyoto Institute of Technology. Il a occupé divers postes de design depuis qu’il est entré au service de Toyota Motor Corporation en 1980, dont celui de directeur, Design mondial, division Planification. Il est président de Lexus International depuis avril 2017.

Mentors :

Lindsey Adelman / designer
Plusieurs décennies avant de créer son studio du même nom, Lindsey Adelman montrait déjà de solides prédispositions pour le design. Fillette précoce et curieuse, elle passait son temps à construire toutes sortes de structures dans les jardins de la banlieue de New York. Après des études d’anglais au Kenyon College, elle a intégré l’équipe rédactionnelle de la Smithsonian Institution. Après avoir découvert par hasard le design industriel – sous la forme d’une frite en mousse préfabriquée – elle est entrée à l’école de design de Rhode Island (RISD) pour transformer sa passion d’enfance en métier. Aujourd’hui, dans ses studios de New York et de Los Angeles, elle manipule la lumière pour créer des luminaires aussi émotionnels que physiquement transformateurs. Imprégnés de leur propre histoire et de leur propre signification, souvent de manière involontaire, ses objets donnent de la couleur, de la texture et de la profondeur au monde qui les entoure.

Formafantasma / concepteur
Andrea Trimarchi et Simone Farresin forment le Studio Formafantasma, un duo de design italien installé à Amsterdam, aux Pays-Bas. Ils ont créé une œuvre cohérente qui se caractérise par des études expérimentales sur les matériaux, et ils ont exploré des thèmes comme la relation entre la tradition et la culture locale, les approches critiques de la durabilité et la signification des objets en tant que vecteurs culturels. Leurs travaux ont été exposés et publiés dans le monde entier dans des musées, comme le MoMA de New York, le Victoria and Albert Museum de Londres, le Metropolitan Museum de New York, le Chicago Art Institute, le Textiel Museum de Tilbourg, le Stedelijk’s-Hertogenbosch, le MUDAC Lausanne, le Mint Museum of Craft and Design en Caroline du Nord et le MAK Museum à Vienne, qui ont tous acquis des œuvres de Formafantasma pour leurs collections permanentes. Andrea et Simone animent des conférences et des ateliers dans diverses universités et institutions. Ils enseignent actuellement aux départements Bien-Être et Design contextuel de la Design Academy Eindhoven et dirigent le programme de baccalauréat en design MADE à Syracuse, en Italie.

Sou Fujimoto / architecte
Sou Fujimoto est né à Hokkaido en 1971. Diplômé d’architecture de la faculté d’ingénierie à l’Université de Tokyo, il a créé Sou Fujimoto Architects en 2000. En 2016, son ouvrage, Pershing, a reçu le premier prix du concours français « Réinventer Paris », après avoir remporté le concours international sur invitation du nouveau centre de formation de l’École polytechnique de Paris-Saclay et le concours international des Folies de Montpellier en 2014. En 2013, il est devenu le plus jeune architecte à concevoir le Serpentine Gallery Pavilion à Londres. Parmi ses œuvres importantes figurent le Serpentine Gallery Pavilion (2013), le House NA (2011), le Musashino Art University Museum & Library (2010), la Final Wooden House (2008), House N (2008) et bien d’autres.

Jessica Walsh / designer
Jessica Walsh est designer et directrice artistique associée du cabinet de design Sagmeister & Walsh, à New York. Elle donne des conférences sur le design lors de congrès créatifs et dans des universités du monde entier, et enseigne le design à la School of Visual Arts de New York. Ses travaux ont été distingués par de nombreux prix à des concours de design internationaux de premier plan, parmi lesquels Type Director’s Club, Art Director’s Club, SPD, Print, New York Festivals, D&AD, TDC Tokyo et Graphis. Elle figure sur la liste « 30 under 30 top creatives designing the future » établie par Forbes et au palmarès des « Top 10 Visual Creatives » de la revue Ad Ages. Ses travaux ont été présentés dans de nombreux ouvrages et magazines. Parmi ses clients elle compte notamment le Museum of Modern Art, le Jewish Museum, Jay-Z, Snapchat, Barneys, le New York Times, Levis, Adobe, et la School of Visual Arts. Elle organise des programmes de mentorat pour des créatrices par le biais de son initiative Ladies, Wine & Design, qui compte désormais plus de 110 sections locales à travers le monde. Son blogue et son ouvrage 40 Days of Dating ont attiré plus de 10 millions de lecteurs et lectrices et la Warner Brothers a l’intention d’en faire un film.

À PROPOS DU PRIX DU DESIGN LEXUS
Le concours du Prix du design Lexus est un concours de design international lancé en 2013 à l’intention de futurs créateurs du monde entier. Le prix vise à favoriser la naissance d’idées qui contribuent à la société, et à soutenir les créateurs et les designers dont le travail peut aider à créer un avenir meilleur. Il offre aux finalistes l’occasion unique de collaborer avec un designer mondialement connu pour créer des prototypes de leurs œuvres, puis de les exposer à l’un des plus importants événements du calendrier du design.